Contexto Político del Arte Abstracto

Es un movimiento influenciado por varias vanguardias, el surrealismo y el cubismo aportan muchas de sus característica al establecimiento del nuevo estilo; aparece en un contexto político entre guerras, ya que se instaura después de la segunda guerra mundial y antes de la guerra fría,  sin mencionar las dificultades económicas causadas por la crisis de 1929 que llevara al país a una época de conflicto;  inicia en una etapa de migraciones europeas hacia nueva york debido a la segunda guerra mundial, la población venia de una Europa azotada por un régimen totalitarista y fascista; es una época de grandes avances tecnológicos en busca de remplazar lo antiguo por algo innovador dándole un lugar importante a la modernidad, nace un estilo en donde prima el echo de pintar que el producto de la pintura.

La política, el Arte Abstracto y su relación con Hamlet Machine

ARTE Y CULTURA “PROLETARIOS”

El arte abstracto juega un papel importante en esa época pues es ahí donde hay grandes diferencias políticas especialmente dentro del Partido Comunista en el caso de Rusia mientras que en el resto del mundo habían influencias de corrientes fascistas e imperialistas.

Fueron los artistas los que participaron y alzaron sus voces para expresar su opinión de modo que “el arte moderno seria como un caballo de Troya en una sociedad burguesa y como ultima muralla contra la barbarie de la imposición.

A partir de esto, el arte se consideró como un instrumento de la revolución, de modo que los artistas participaban en sindicatos y organizaciones izquierdistas, criticaron fuertemente el individualismo del artista moderno y se empezó a buscar la expresión del mundo interior de los artistas e incluso en sus manifestaciones artísticas se aplicaron diferentes procedimientos para pintar.

Pretendían que las vanguardias presentaran su posición frente a las tácticas de choque de la polémica y el escándalo que se estaba viviendo en el mundo con relación a la política creando así el Arte Revolucionario independiente.

Había un gran interés en que se respetara y al mismo tiempo hubiese libertad y revolución en este tipo de arte, “pues este al igual que la ciencia, no solo no pide ordenes, sino que por su esencia misma no puede tolerarlas.”

“El arte solo podrá ser un firme aliado de la revolución en la medida en que siga siendo fiel a sí mismo.”

Todo esto, nos lo muestra Hamlet Machine, donde en medio de la desesperación se muestra una oposición frente a la comunidad ciega e indolente, donde se muestran a  un personaje que primero debe actuar pero después desnuda sus pensamientos y sentimientos de asco rechazando la perspectiva tradicional y rompiendo un protocolo en su papel. Además de llamar a la insurgencia y criticar fuertemente a ideologías propias del capitalismo con antecedente del fascismo.

ESCULTURA DEL ARTE ABSTRACTO.

Autor: Juan Ramón Martín Muñoz

presenta una selección de piezas arquitectónicas realizadas en acero de formato medio. La obra del artista propone un camino de pensamiento que deja abierto a la contemplación para que el objeto seduzca y evoque.

Juan Ramón se ha interesado por el racionalismo en arquitectura y por la geometría fría y la abstracción geométrica en escultura, corrientes artísticas enraizadas en el siglo XX.

“La Petite Faucille u Homenaje a la Hoz y el Martillo”, realizado en 1937, bronce

pertenece a uno de los mayores escultores del siglo XX, Julio González, esta obra fue donada por la hija del escultor, Roberta González.

esta escultura se puede fechar en torno a 1937, en plena Guerra Civil española. Esta echa en un periodo donde las esculturas que recurren a la lámina de acero curvándose sobre si misma, con un efecto similar a los artistas clásicos de Grecia. La realización no es sobre una misma lámina para curvarla y repujarla, suelda varias a fin de lograr una superficie unitaria, frágil y rota. La consistencia que ofrece el volumen contrasta con la fragilidad de las superficies, cuya textura se debe tanto al forjado como al soldado, una fragilidad mas bien física.

TEATRO ABSTRACTOks

Se caracteriza por argumentos que parecen carecer de significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera extraña.

El teatro abstracto cuestiona al mundo y al ser humano.

A través del humor escondían una actitud muy exigente hacia su arte.
La incoherencia, el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de estas obras.

Muchos ven el Teatro abstracto como unas obras sin explicaciones lógicas y sin sentido. Se resalta la incongruencia entre el pensamiento y los hechos, así como la incoherencia entre las ideologías y los actos.

Los personajes tienen un gran obstáculo para expresarse y comunicarse entre ellos mismos constantemente. En las obras, definitivamente el decorado y las escenografías (al igual con los objetos y los accesorios utilizados) juegan un papel muy importante como contraste con el contenido de las mismas, porque presentan imaginariamente la realidad de los mensajes que pretenden llevar.

Se presenta todo en un marco de un mundo vacío y con objetos muy pesados que terminan dominando a los personajes.

Toca temas muy importantes, relacionados, por ejemplo, con cuan susceptible se encontraba la civilización después de una gran batalla..

Se percibe a través de sus personajes la falta de organización que existía hasta en la manera de comunicarse unos a otros, donde muchas veces no había un punto de acuerdo entre todas las partes, pero si un abuso de poder, donde los ricos y poderosos atropellaban a los más débiles y a los que menos posibilidades tenían para sobrevivir ante tanta confusión.

Relación, Psicosis 4:48 con lo absurdo, el tiempo y la vanguardia.

En psicosis, el profundo asco,  hastió y odio a lo indiscutible del ser, evidencian el sentimiento de vacío existencial, en donde el ser y la vida son un conjunto de sinsentidos que trastornan la realidad consiente, en donde la psiquis considera el suicidio, tal como Camus lo planteaba en la filosofía de lo absurdo, como una posible solución a el vacío existencial,  en la cual el personaje es consumido por la angustia y el profundo dolor del mero hecho de vivir, por otro lado, el tiempo actúa como factor determinante, en el cual rasgos, fragmentos y recuerdos de una posible vida, perturban esa realidad consiente y natural, generando un tiempo no lineal, abstracto que evidencia la reciprocidad con la nada y el todo y a su vez es relacionado con la vanguardia del arte abstracto, quién de muchas formas intenta cortar el tiempo lineal y convertirlo en un sinsentido con sentido, en un tiempo no determinado.

Robert Delaunay

fue un pintor francés.

esposo de Sonia Terk Delaunay, fue uno de los pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX.

En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas geométricas y colores monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró en las formas circulares y en los colores brillantes, y que ha sido también calificado de cubismo abstracto o rayonismo.

Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte moderno.

Su amor por el ritmo y el movimiento le llevó a realizar varias series de cuadros basados en eventos deportivos, como Sprinters (1924-1926), que culminaron en impresionantes obras abstractas centradas en el ritmo, como sus últimas series “Ritmos” y “Ritmos eternos”.

Con su esposa, residió un tiempo en España. El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid cuenta con ejemplos de ambos artistas, y el Museo Reina Sofía ha adquirido un importante autorretrato suyo.

Realizó igualmente escritos teóricos muy influyentes entre sus contemporáneos, como el ensayo Sur la lumière, publicado en «Der Sturm» (1913), en traducción de Paul Klee.

Cada plano tiene una iluminación independiente y el motivo de la ventana irá poco a poco perdiéndose hasta llegar a ser cuadros totalmente abstractos.

También realizó obras con implicaciones musicales, basándose en la noción de dinamismo visual, provocado por el color. En Formas circulares la disposición del color en el plano produce una sensación de ritmo animado. Los círculos concéntricos del cuadro se corresponden a diferentes armonías cromáticas, logrando un excelente dinamismo rotativo.

Analisis Obra

Blando Duro
Oleo sobre lienzo , pintada a mano
Kandinsky

Lo que quiere representar el autor en la pintura es la diferencia entre lo duro y lo blando , poniendo ejemplos de la vida como el bien y el mal , lo dificil y lo fácil , entender que todo en la vida no es color de rosa y no todo llega en bandeja de plata , para llegar al color azul que representa la calidez se debe pasar por etapas de oscuridad .
Tiene representación de figuras geométricas para representar la forma y la complejidad del problema ver que existen altibajos y cosas que tienen solución por si solas , el azul tiene una representación de una serenidad y una calidad donde se siente la paz y una tranquilidad de la vida ; en la parte superior de la prosperidad la representación del color azul donde existe un problema pequeño siempre se encontrara un factor interior

contexto histórico y social :

-El arte abstracto nació en la segunda década del siglo XX. Su origen se debe, principalmente, a la reacción en contra del imperialismo, ya que nació en un contexto de circunstancias
políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los mas importantes fenómenos de la historia d el Arte.

El arte abstracto es el estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

 

El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos siginificados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.